…e chiunque dorma in una casa da solo è preso da Lilith: Lucifer – Lucifer II

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Non so se vi ricordate “Live Through This” delle Hole, classe 1994 e unanimemente considerato il loro capolavoro. Di esso si è sempre malignato che fosse perlopiù farina del sacco del consorte della maggiore azionista, uomo di spiccata personalità e comprovate abilità autoriali, tale Kurt Cobain. Velenose e maschiliste insinuazioni a parte, e constatato come certe dinamiche seguitino a riproporsi identiche persino nel mondo del rocchenròll, pure (auto)dichiaratosi libertario e libertino, c’è da dire che un coevo sodalizio sentimentale e musicale tra donna e uomo può rivelarsi foriero di grande piacere anche per le orecchie. O di luce.

I Lucifer, ad esempio, sono da sempre la creatura della berlinese Johanna Sadonis, voluttuosa cantante votata al dark sound che nel corso degli anni, complice un’indubbia avvenenza, è riuscita a coinvolgere nel proprio progetto musicisti uomini di chiara fama e altrettanto preclare abilità. Il debutto omonimo, datato 2015, vedeva in formazione Gary “Gaz” Jennings, chitarrista dei Cathedral e dei Septic Tank, ed usciva per l’inglese Rise Above Records, forse l’etichetta di punta per le sonorità doom e forse anche perché il patron di essa, nonché voce dei Cathedral, Lee Dorrian intratteneva con la Sadonis una relazione non solo artistica e d’affari. E ciò tuttavia non impediva a quell’album, frutto di un lavoro di gruppo tradizionalmente inteso, di essere un valido esempio di sonorità catacombali e sinistre, ispirate dai Sabbath come dai Sabbat senza per questo scordare maledizioni sepolte da millenni nelle sabbie mediorientali e morbosità decadentiste. Ma solo quello che non c’è non si rompe, citando il titolare dell’unica Gran Croce dell’Ordine dell’Aquila Tedesca giunta in terra americana (a proposito, fanno ottant’anni adesso), e dunque le strade dell’inglese e della tedesca si sono presto separate, sospingendo il Portatore di Luce nuovamente nell’oscurità, sino all’incontro con un altro mentore, tale Niklas Andersson d’Isvezia. Costui, noto alle cronache, naviga da oltre vent’anni i mari del rock con poliedrica abilità, nitido talento e genuino entusiasmo nell’intraprendere nuove spedizioni musicali, e non sorprende dunque saperlo pronto nell’offrire la sua perizia come batterista, compositore, cantante, chitarrista, bassista e produttore al debilitato progetto della bionda cantante. Cosicché, reperito il giovane chitarrista svedese Robin Tindebrink, i rinati Lucifer si sono inabissati verso nuove vette, dapprima con una formazione e un’attività live stabili (a dare manforte sono giunti da ultimo il bassista Alexander Mayr e il chitarrista degli svedesi Dead Lord Martin Nordin), quindi con un nuovo album,  “Lucifer II”, uscito il 6 luglio scorso per la Century Media. Il tutto senza contare la relazione sentimentale sorta tra la conturbante tedesca e il talentuoso svedese, lei ancora nel secondo decennio di vita e lui a vista del mezzo secolo e però spiriti affini nel corpo e nella musica, e che tenerezza vedere lui con l’espressione imbambolata, tipica dei primi sussulti di un nascente amore, quando, durante il concerto berlinese degli Imperial State Electric il 7 dicembre 2017, si inginocchiò ai bordi del palco, nell’intermezzo tra una canzone e l’altra, per baciare brevemente ma appassionatamente la sua bella che assisteva all’esibizione in prima fila.

Vista la forte personalità musicale di Andersson, era quasi ovvio che la sua presenza avrebbe influenzato il nuovo corso sonoro della formazione, ed infatti così è stato, e basti a conferma raffrontare le melodie vocali del disco con quelle di Hellacopters e Imperial State Electric. Non si può tuttavia parlare di scippo del monicker ovvero di un suo snaturamento, trattandosi, piuttosto, di evoluzione, perché gli elementi fondativi del dark sound sabbathiano, che costituivano le coordinate essenziali del progetto, sono rimasti al loro posto, mentre gli aspetti più pesanti e metallici sono stati smussati in favore di un approccio più tradizionalmente legato a ciò che oggi passa sotto il nome di “classic rock dei Seventies“, in primis mutuato dai Blue Öyster Cult, da sempre grande amore di Andersson, i quali hanno prestato l’approccio intelligente alla scrittura e alcune soluzioni sonore, come i fraseggi chitarristici sovrapposti; emblematico sul punto, già dal titolo, un brano come Reaper On Your Heels. Lo spirito cupo del progetto Lucifer continua però ad incombere, incarnato dalla prestazione vocale della Sadonis, che stavolta imbizzarrisce il suo timbro in maggiori modulazioni bluesy rispetto al passato ma che nondimeno si mantiene un contralto dalla resa emotivamente grave e seriosamente sacerdotale. Non così le trame strumentali, che, proprio a causa della presenza di Nicke Andersson, guadagnano in ariosità e brio, conferendo sfaccettature interessanti ad un album che rischiava di essere affossato in partenza dal fatto di iscriversi in un revival settantiano ormai sin troppo affollato: che sia dovuta alle sfumature di pianoforte e tamburelli in un pezzo pure morbosamente sepolcrale come Dreamer, allo spazio sincopato e alla linea vocale prettamente kissiane di Phoenix, alle dinamiche e alle stratificazioni sonore di Eyes In The Sky, la varietà, pure restando chiaramente in ambito settantiano, non manca. Ne risulta un disco che ha molti punti di forza: un suono pieno, atavico come i suoi referenti ma chiaramente coevo, come denunciano i bassi in eccessiva evidenza all’interno dello spettro sonoro; una lunghezza adeguata (attorno ai quaranta minuti), ideale per ascolti plurimi senza noia; una scelta dei brani oculata, tra cui spicca una rilettura davvero notevole di Dancing With Mr. D dei Rolling Stones, resa quasi una outtake di “Volume 4” senza sacrificarne la natura freak e il lucore che la firma Jagger-Richards garantisce all’originale. Qualche punto debole c’è (soprattutto Before The Sun, semi-ballata alla foggia degli Scorpions di epoca Uli Jon Roth non appieno convincente), ma l’esperienza complessiva è più che positiva anche per chi, come lo scrivente, fatica a relazionarsi con la voce, ma solo quella, di Johanna Sadonis. Particolari non irrilevanti nel promuovere (?) a pieni voti (?) “Lucifer II” sono, poi, la copertina, summa settantiana di artefatte semplicità e autenticità, con tanto di espressioni diversamente acute dei musicisti, e il fatto che la stampa in vinile includa per lo stesso prezzo anche l’album in formato CD, riconoscendo esigenze senza per questo rinunciare a  sancire gerarchie.

Meno Cathedral e Danzig, più BÖC e Sabbath ’75-’79, insomma. Meno Dorrian, più Andersson. E nel mezzo lei, la bionda Johanna, a ribadire la sua personalità per schivare frusti stereotipi di genere ed etichette da “Courtney in tunica”. A ribadire che sono i Lucifer a portare la luce nella vita degli uomini che vi si accostano, e non il contrario. E che, in questo caso, c’è pure l’happy ending. Potenza di Lucifero.

Clash with reality: Vinnie Paul (1964 – 2018)

vinnie paul

Non c’è molto da aggiungere, rispetto alla massa di informazioni reperibili un po’ dovunque, su Vincent Paul Abbot, batterista texano congedatosi ieri in età non esattamente avanzata, se non che è stato uno dei simboli del metal, globalmente inteso, per personalità e per capacità musicali. Il suono compresso della batteria e della cassa che è praticamente ubiquo nel metal contemporaneo e da circa vent’anni è principalmente opera sua, si potrebbe dire; anche se la colpa del successivo appiattimento non è beninteso sua, perché la colpa è raramente di chi inventa, ma di chi usa l’invenzione. A tutt’oggi i Pantera sono uno dei gruppi più amati e più odiati dell’intero genere, e questo, oltre ad essere per più di un quarto responsabilità del nostro uomo, vorrà pur dire qualcosa. Per quanto mi riguarda, vorrà dire che Vinnie Paul ci mancherà, con il suo carattere rilassato e gioviale, sempre pronto alla battuta e alla bevuta in compagnia, e l’approccio sbalorditivo a piatti e tamburi, fatto di ritmi trituranti come di complessi passaggi sincopati, fusi con le massime naturalezza ed efficacia.

Puro e semplice talento accompagnato a puro e semplice amore per ciò che si fa e ad empatia con il prossimo (quest’ultima paradossale, se si pensa alla musica realizzata; o forse no, chissà); questo è stato Vinnie Paul, né più né meno. Gli parlai una sola volta, al telefono, per intervistarlo, in occasione dell’uscita del secondo album degli Hellyeah. Fu una chiacchierata semplice ma piacevole, in cui il calore dell’uomo e del suo pesante accento texano riuscì a farmi rompere il ghiaccio del primo colloquio “professionale” con un musicista. Oggi, ché si diffonde la notizia, ripenso a quel breve dialogo, durato forse un paio di minuti, e mi dico che non ne sarebbero serviti altri per capirsi anche de visu con un uomo così, che ti offre un Black Tooth Grin senza neanche sapere come ti chiami per dimostrarti amicizia e che sul palco non si è mai risparmiato in oltre trentacinque anni di battere e levare e in cinquantaquattro di diastole e sistole e di lui non vuole che si sappia in giro altro, perché altro non c’è da sapere. Ci ripenso e non so cosa aggiungere, e quindi è meglio che vada. A farmi un Black Tooth Grin alla sua salute.

See ya yonder, Vinnie.

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MISCREANCE – FROM AWARENESS TO CREATION
Continua la serie dedicata al sottobosco musicale nazionale, con una puntata di sapore metallico. Stavolta tocca ai giovanissimi Miscreance, quintetto di Mestre che dalle ceneri dei thrasher Atomic Nightmare ha tratto lo scorso aprile questo demo di quattro canzoni (un breve intro e tre brani effettivi), che rifanno il verso al miglior death metal americano dei primi ’90 attraverso contorsioni strumentali ad alto tasso tecnico alternate a sfuriate a tutta velocità memori del thrash, in una sorta di connubio tra i Death di epoca “Symbolic”, i Cynic e i Watchtower. Nulla di nuovo sotto o dietro il sole, ma tutto fatto come si deve, e chissà che un pizzico di personalità di scrittura in più e un accordo discografico permettano a questi ventenni di fare un meritato salto di popolarità. Ultima notazione: se della perizia strumentale dei musicisti riferiscono i brani, la devozione dei metalhead emerge dal fatto che il demo sia disponibile solo in digitale o in cassetta. Qui ci sono le prove.

MUON – GOBI GOMOG
muon - gobi domog

Restiamo sempre nella Laguna Veneta, ma dall’altra sponda. La musica dei Muon, quintetto veneziano, trasuda umidità e pesantezza come la canicola estiva che investe la palude quando il cielo è color d’alluminio e la cappa attenta a benessere e raziocinio. Breve intro e quattro brani, il più breve dei quali supera i nove minuti, in un abisso di lentezza catacombale e sfibrante, riff pantagruelici e caracollanti, percussioni ossessive e spietate, senza che, però e miracolosamente, l’ascolto si trasformi in tortura. Ottimi i suoni, merito della beneventana e benemerita Karma Conspiracy, e riuscita appieno l’evocazione delle atmosfere di fangosa (Sarah)palingenesi suggerite già dalla copertina. A metà del guado tra Eyehategod e Yob, i Muon confermano che, quale che sia la sponda dell’oceano, una palude è una palude. Da qui in poi si resta impantanati.

Andergraund Saund 6

bee bee sea - sonic boomerang

BEE BEE SEA – SONIC BOOMERANG
Balza subito all’occhio che il nome del gruppo, tradotto letteralmente, significa “ape ape mare”, ma, foneticamente, anche (molto) altro. Questo trio mantovano ama i calembour e non ne fa mistero in “Sonic Boomerang”, uscito nel 2017 e zeppo di titoli accattivanti come “D.I. Why Why Why” o “Chum On The Drum“. Ma non sono solo i nomi dei brani o la caleidoscopica copertina a catalizzare l’attenzione, perché le otto canzoni di cui si compone questa seconda fatica discografica del gruppo costituiscono un gioiellino di rock che si districa tra ruvidezza garage, psichedelia della più accessibile e pop di ascendenza mod. Un frullato di Ramones, Jam, Mojomatics, Libertines, White Stripes e primi Stereophonics, si può dire. Non che tutto ciò non sia mai stato fatto prima e/o meglio, ma questo “Sonic Boomerang” resta grazioso, piacevole, coinvolgente e di consistente qualità per tutta la sua non eccessiva durata, ed ottiene proprio l’effetto che il suo titolo si prefigge: finito il giro si torna indietro e si ricomincia da capo. Scoperta sorprendente e certificazione del buono stato di salute del sottobosco italico, i Bee Bee Sea sono in tour per la penisola in questi giorni, e se vi capitano sotto tiro fare loro visita potrebbe rivelarsi un’idea migliore di quanto questo scritto non suggerisca. Per fugare i dubbi ci si rechi qui.

trick or treat - reanimated

TRICK OR TREAT – RE-ANIMATED
Il power metal è intrinsecamente musica da réclame degli gnomi che impacchettano i wafer, e i cartoni animati giapponesi contengono sigle che rimandano al medesimo senso di pacchianeria over the top, melodicamente accattivante, ritmicamente avvincente ed intrisa di un’epicità d’accatto ancorché irresistibile. E quindi era solo questione di tempo prima che questi due mondi si incontrassero, attesa anche l’abbondante sovrapponibilità tra i due pubblici di estimatori. Di questa chiusura del cerchio si incaricano i modenesi Trick Or Treat, che, forti di solide capacità tecniche, realizzano un progetto che non potrà non far sorridere i millennials cresciuti con il peggio (o forse il meglio) delle importazioni televisive di due-tre decenni addietro. E, nonostante alcune scelte “populiste” (Jem e le Olograms che ok però; Ken il Guerriero, quando al genere e all’operazione avrebbe maggiormente giovato la scelta della sigla in giapponese della seconda serie; Jeeg Robot d’acciaio), il disco funziona, tra soluzioni indovinate (Batman con chitarre maideniane in relativa e l’ottimo duetto tra Alessandro Conti e Roberto Tiranti; David Gnomo amico mio, già pubblicata in passato), una ricca messe di ospiti (oltre al citato Rob Tyrant, il guru del genere Giorgio Vanni, Michele Luppi, Steva Deathless dei Deathless Legacy, Michele Luppi, Damnagoras degli Elvenking e altri ancora) e, in generale, un’atmosfera di divertimento puro, tanto nell’intento quanto nella realizzazione. Ovviamente si possono avanzare mille obiezioni sulla scelta dei brani (ad esempio, io avrei incluso He-manConan – il barbaro, non il detective – ma sono gusti), però il senso e la riuscita dell’operazione non si sposterebbero di molto. Per una metà maideleine proustiana e per l’altra fanciullino pascoliano, “Re-Animated” funziona proprio per questa tensione tra nostalgia e passione, comunque filtrata attraverso il sano approccio ludico di cui si è detto, il quale, tuttavia, impedisce al disco di diventare qualcosa di più di un transeunte divertissement, obiettivo che forse nemmeno si poneva (e la realizzazione mediante crowdfunding sembra deporre in questo senso). Perché è vero che “mai, mai scorderai”, ma è anche vero che “il tempo passa per tutti, lo sai; nessuno indietro lo riporterà, neppure noi”. Coerentemente, non c’è un “qui” a cui in conclusione rimandare. (Ri)animatevi.

Dazio Sam: Judas Priest – Firepower

Oggi è uscito il nuovo album dei Judas Priest, il primo da quattro anni. L’ultimo in cui suonerà Glenn Tipton, a cui è stato diagnosticato il Parkinson e che infatti non sarà sul palco nel prossimo tour. Chiamiamolo il testamento di Tipton, quindi. Sono andato a comprarlo oggi stesso, come si faceva una volta, mettendo via i soldi necessari, come si faceva una volta, e contando ad uno ad uno i giorni che mancavano all’uscita, come si faceva una volta. E ora, dopo una serie ininterrotta di ascolti, uno dei quali mi ha portato a scagliare una sedia da una parte all’altra della stanza urlando spaventose bestemmie di approvazione, mi sento di affermare quanto segue.

È uscito il nuovo dei Judas Priest, e il mio consiglio è di ascoltarlo immediatamente, perché ti prende, ti divarica le natiche tenendoti fermo mentre ti dibatti per protestare e ti spinge dentro fino in fondo un’ora di acciaio britannico purissimo, scintillante e inossidabile, perché sa che ti piace e alla fine ne chiederai ancora. Provare per credere.

Buon otto marzo. Ah no, oggi è il nove.

Metal command. Chris Tsangarides (1956-2018)

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Il sei gennaio, nel silenzio pressoché generale tipico dei giorni festivi, la polmonite si portava via Chris Tsangarides, produttore inglese responsabile di buona parte del suono dell’hard rock di fine anni Settanta e dell’heavy metal anni Ottanta (ma anche di certo post-punk oscuro e metallico). Aveva iniziato la carriera come ingegnere del suono nel 1976, prestando la sua opera per “Sad Wings Of Destiny” dei Judas Priest, e con queste premesse non si può che andare in crescendo, come poi è avvenuto: Thin Lizzy, Gary Moore, Tygers Of Pan Tang, Girlschool, Girl, Anvil, Y&T, e poi ancora Lords Of The New Church, Killing Joke, i Black Sabbath di “The Eternal Idol”, i giapponesi Anthem, il glam dei Tigertailz, passando per Samantha Fox e i Concrete Blonde e giù fino a Bruce Dickinson, i Judas Priest di “Painkiller” (il loro album che suona meglio), gli Helloween e tutto il resto, vicino (Ozzy Osbourne, Strawbs, la rinascita degli Anvil con “This Is Thirteen”) e lontano (Yngwie Malmsteen anni ’90, gli Exodus di “Force Of Habit”). Artefice di un suono possente ma definito, specialmente per quanto riguarda le chitarre, catturate con una speciale collocazione stereofonica dei microfoni, a simulare un riverbero naturale, Tsangarides è stato quel tipo di produttore non invadente ma originale, in grado di lasciare discretamente ma decisamente la propria impronta sui dischi affidati alle sue cure, e l’impressionante palmares, assieme al carattere gioviale e alla costante lucidità professionale, lo colloca di pieno diritto nel novero dei grandi produttori del rock duro. È anche per questo che la sua perdita non promette nulla di buono per l’anno appena iniziato, nonostante quel sorriso che riconcilia con la vita.
Ciao Chris, la terra ti sia…heavy.

Anno ucciso, uomo lagno. Il 2017 musicale di Note in Lettere.

Disclaimer: questo articolo è stato scritto usando un computer fabbricato da lavoratori sfruttati.

Il 2017 non è stato un granché come anno. Anzi, ad essere esatti, lo si può qualificare come un bel disastro. Non tanto sul piano personale, dove pure gli argomenti in tal senso non mancherebbero, quanto su quello musicale, ben più rilevante. Vi risparmio i necrologi, anche se a scorrere la lista c’è da sbalordire ogni volta: Chuck Berry, Allan Holdsworth, Chris Cornell, Gregg Allman, Fats Domino, Tom Petty, Grant Hart, Walter Becker, Al Jarreau, Butch Trucks, Clyde Stubblefield, Martin Eric Sin, Geoff Nicholls, Robert Dahlqvist, Charles Bradley, e da ultimo Malcolm Young. Solo per citare i più noti e più cari. Neanche profondendo sforzi per ucciderli sarebbe stato possibile ottenere una simile lista di lutti. Aveva ragione il Reverendo Gary Davis, veggente come tutti ciechi: la morte è impietosa su questa terra. E non va mai in vacanza. Quindi, come sempre impotenti di fronte al Grande Viaggio, non ci resta che salutare coloro che si sono incamminati e onorarne la memoria attraverso la coltivazione del lascito terreno, sulla cui consistenza fanno fede i nomi, prima ancora che le biografie e le opere.

Venendo, invece, ai vivi, il 2017 non si è rivelato significativamente elevato nelle uscite discografiche, anche se ciò non impedisce di ricadere una volta di più nell’ozioso giochino della sommatoria qualitativa degli ascolti. Anzi, tale circostanza è forse uno stimolo ulteriore al solito passatempo. Ecco, dunque, l’esito musicale dell’anno (quasi) trascorso secondo chi scrive. Come sempre, le scelte indicate sono numerate per ragioni d’ordine estetico dell’esposizione, senza che la collocazione numerica implichi giudizio di valore rispetto agli altri dischi inclusi. Sono ben gradite le selezioni dei lettori, a com(pleta)mento della presente. Ove mancanti, se ne parlerà a voce, qui o di là. Auguri a tutti.

Dischi notabili

1. Flamin’ Grooves – Fantastic Plastic
Qui.

2. Styx – The Mission
Ne avevo scritto qui, e con gli ascolti non è diminuito in consistenza e piacevolezza. Il pensiero di definire così un album degli Styx mi lascia stupefatto tuttora, ma è giusto rendere onore al merito. Che su Marte l’umanità ammari o meno, noi siamo a posto, quantomeno per i prossimi trentadue anni.

3. Rolling Stones – On Air In The Sixties
Rolling Stones - On Air
Contrariamente alle loro ultime uscite, di carattere esclusivamente speculativo, questo doppio, che raccoglie le incisioni per diversi programmi della BBC tra 1963 e 1965, ha un notevole valore documentale e non è di interesse solo archivistico-completistico, perché fa infine luce in maniera adeguata e professionale (le incisioni, in precedenza reperibili su svariati bootleg dalla resa fonica limitata, sono state ripulite negli studi di Abbey Road con un’innovativa tecnologia che consente di separare dal master tape le singole tracce per un nuovo missaggio delle stesse, sostanzialmente riportando l’incisione alla fase di produzione) sul periodo decisivo delle Pietre Rotolanti, quello in cui, sotto la guida di Brian Jones, azzannavano il blues di Chicago e il rock ‘n’ roll con l’ingordigia e la sicumera di imberbi giovincelli, dimostrando la forza di tali forme espressive ad un mondo, e soprattutto ad un’America, che ottusamente negava loro dignità a cagione del tasso di melanina che le aveva originate. E nulla rende al meglio tale decisivo passaggio musicale, culturale e sociale della viva energia di queste esibizioni live, istantanea del Novecento significativa ancorché negletta perlopiù. Il repertorio consta essenzialmente di riletture di (non ancora) classici del blues e del rhythm & blues, ma anche le rare puntate nel repertorio autografo, che allora muoveva i primi passi, (la graffiante zampata di Satisfaction e la dinoccolata spavalderia di The Spider And The Fly), dimostrano che si era di fronte a una formazione destinata a lasciare il segno (una malignità, ma significativa: quando, pigiato il tasto “Play”, parte Come On, chiudendo gli occhi sembra di trovarsi al cospetto dei Chesterfield Kings). Se oggi è immorale, o semplicemente folle, spendere cifre a due zeri per assistere ad un’esibizione della world’s oldest rock ‘n’ roll band, altrettanto lo sarebbe scansare questa eccezionale e ben più economica spiegazione del perché ci si vede domandare cifre ad almeno due zeri.

4. Hüsker Dü – Savage Young Dü
husker du - savage young du
Ancora una ricapitolazione di inizi, ma addirittura in triplice CD. Stavolta occasionata dalla dipartita del batterista e cantante Grant Hart, ma resa nondimeno doverosa dalla latitanza di materiale d’archivio del trio di Minneapolis. Oggetto di recupero è il periodo iniziale della formazione, quello che va dal primo demo del maggio 1979 (otto pezzi, qui raccolti) al 1983, anno di pubblicazione di “Metal Circus” e definitivo salto di qualità nella scrittura e nella carriera discografica. Nel mezzo, bozzetti di brani in fieri elaborati durante le prove, esibizioni dal vivo, outtake di studio, lati B di singoli. La ricca messe di materiale (quasi settanta tracce) non consente di ricapitolarlo tutto analiticamente, ma per comodità lo si può scindere in tre parti: il capitolo demo, molto più eclettico di quanto vorrebbe la vulgata secondo cui i primi Hüsker Dü suonano hardcore punk a velocità supersonica senza badare a sottigliezze e melodie, ché ci si imbatte invece nell’influenza tanto del ’77 (Nuclear Nightmare) quanto dei Sixties (Can’t See You Anymore è già jangle pop); il capitolo dal vivo, che ripulisce la resa fonica del materiale già udito sul debutto “Land Speed Record” pur conservandone la forza d’urto, confermando l’appartenza del gruppo al fenomeno hardcore; il capitolo sessioni di studio, che vede la formazione sperimentare tra passato (le bordate di Afraid Of Being Wrong e Punch Drunk, puramente e schiettamente hardcore) e futuro (la rilettura nervosa di Sunshine Superman di Donovan e Everything Falls Apart, che fotografano il passaggio al nuovo corso). Ciò che ne esce è la ricostruzione di una delle formazioni più creative e originali del rock americano degli anni Ottanta che esplora le sue capacità espressive, dimostrandole spiccate già in esordio ed affinandole a rapide falcate. These important years.

5. Filthy Friends – Invitation
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Restando in tema di underground americano, questo quintetto, formato nel 2012 e poi nuovamente in attività dal 2016, vede a fare compagnia a Corin Tucker, chitarrista e cantante delle Sleater Kinney, nientemeno che Peter Buck, Kurt Bloch dei Fastback, Scott McCaughey (ex Minus-5 e R.E.M.) e Bill Rieflin (già nei King Crimson e nella touring band dei R.E.M.), con anche una comparsata di Krist Novoselic al basso. Visti i galloni alternative della formazione, e il suo atteggiarsi a “supergruppo” nello stile del più pomposo passato del rock, fa sorridere che il loro unico LP abbia visto la luce per l’etichetta Kill Rock Stars!, ma tant’è. Polemiche a parte, se “Infestation” fosse uscito negli anni Ottanta o primi Novanta, se ne parlerebbe ancora adesso come uno dei migliori album del circuito indipendente a stelle e strisce. Merito di canzoni che non si fanno imbrigliare stilisticamente né cedono al desiderio di distinguersi da tutti in forza di ideologie stilistiche preconcette: i tempi sono cambiati, la discografia è crollata e ognuno è libero di proporre qualsiasi cosa. I cinque, musicisti maturi, lo hanno capito e ne hanno fatto il loro punto di forza. E così, dopo l’apertura con il singolo Despierta, che echeggia a dodici corde per poi impennarsi elettricamente, ecco le carte mischiarsi in maniera sorprendente: il glam da arena di Windmill a fianco del pop acustico ma crespo di Faded Afternoon; una Any Kind Of Crowd che sorprende non sentir intonare da Michael Stipe giustapposta alla quasi-kissiana The Arrival; il garage-punk ortodosso di No Forgotten Son armonizzato con una Brother che sembrano i Muse capitanati da Debbie Harry; l’eccitazione power pop di You And Your King per nulla antitetica al delizioso congedo della title-track, che swinga districandosi tra certo jazz acustico e Macca il baronetto. Scrittura di livello altissimo, integrità artistica preservata, accessibilità massima: al tempo una cosa così non l’avrebbero tentata nemmeno i Replacements o i Meat Puppets. La vera meraviglia discografica del rock datato 2017.

6. Pretty Boy Floyd – Public Enemies
pretty boy floyd - public enemies
Non so chi tra i lettori abbia mai visto una foto della formazione dei Pretty Boy Floyd al tempo del suo massimo successo. Nel caso, eccone qui una. Il tutto ha un indubitabile potere respingente, ma, se solo uno abbia voglia di andare oltre l’apparenza (operazione complessa in casi, come questo, di apparenza sostanzializzata) e fermarsi a capire come la proposta musicale del quartetto sia sopravvissuta a mode e rivolgimenti in maniera essenzialmente inalterata, l’ascolto del nuovo disco dei Pretty Boy Floyd, riesumati da un silenzio discografico settennale ad opera della nostrana Frontiers, sembrerà la dimostrazione che, volendolo, è possibile fermare il tempo. Una dimostrazione delle più riuscite e divertenti, peraltro. Guardate la copertina: logo con lettering sottratto agli Iron Maiden e l’immancabile O che racchiude il pentacolo, alla foggia dei Mötley Crüe del periodo ’83 – ’85; e poi un disegno con pipistrelli, scheletro, armi e simboli mortifero-esoterico-complottistici sullo sfondo di una Gotham City da cartone animato. E tutto questo prima ancora di avere ascoltato una sola nota. Se uomini sui cinquant’anni spediscono sul mercato un prodotto del genere, convinti delle sue possibilità di affermazione commerciale, il buono dev’esserci necessariamente. E c’è, infatti: nella sospensione temporale. Anche qui, prima ancora di ascoltare una nota, basta leggere i titoli: High School Queen, Girls All Over The World, Do Ya Wanna Rock, American Dream, Run For Your Life, Shock The World. Non è nemmeno parodia, è proprio convinzione; come di cosa? Che sia ancora il 1988! Quando le chitarre erano fluo e il Muro non quello al confine col Messico. Che poi le canzoni siano pezzi di chewing glam metal tra i più gustosi mai consumati, senza per questo svelarsi come un tentativo di ricostruzione filologica (voglio dire, c’è persino una power ballad intitolata We Can’t Bring Back Yesterday!), resta irrilevante. Se credete che sia in atto una ripresa economica, comprate questo disco.

7. H.E.A.T – Into The Great Unknown
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Ancora non mi faccio persuaso (cit.), ma in qualche modo funziona. Il singolo era terrificante, un inconcludente papocchio di rock moderno senza appigli melodici di rilievo o potenza sonora veruna. L’album, però, in qualche modo regge, nuovamente orientato verso quell’hard rock duro e puro che la formazione svedese ha deciso di praticare a partire dal precedente “Tearin’ Down The Walls” ma ancor più copioso in Watt e grida. Non che questo significhi un’abdicazione dai doveri compositivi, e valga in tal senso la conclusiva title-track, però è innegabile che il motore non gira più liscio come in passato. Per il momento la cosa è tenuta sotto controllo, e quindi godiamoci il disco (che comunque resiste a plurimi ascolti), ma il futuro è ignoto, giustappunto.

8. Cannibal Corpse – Red Before Black
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Svariati recensori e i suoi stessi autori l’hanno definito “catchy“, e se non è strano appioppare un simile aggettivo ad un album dei Cannibal Corpse non so cosa lo sia. Eppure la definizione ha senso, perché in questi solchi (anche il CD ne ha, dopotutto), pur non distaccandocisi dall’usuale formula stilistica, si trovano alcuni dei riff più densi di groove apparecchiati dai cinque americani nell’arco di una carriera quasi trentennale, a tratti vicini a certe soluzioni thrash eppure sempre inconfondibilmente uguali a se stessi. Difficile segnalare un pezzo che si elevi dalla mischia di sangue, frattaglie, growl vocale e ritmi ora velocissimi ora schiacciasassi, ma l’ascolto d’insieme è fluido e piacevole, spingendo una volta di più a giocarsi le vertebre cervicali per il puro gusto di farlo. Nota di merito alla produzione, che sottolinea la potenza definendo i suoni senza per questo cadere in inutili eccessi tecnologici. Ennesima conferma della qualità eccezionale del più famoso gruppo death metal in attività.

9. The Night Flight Orchestra – Amber Galactic
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Sembra impensabile che qualcosa del genere provenga dai principali compositori dei Soilwork, il cantante Björn Strid e il chitarrista David Andersson, peraltro in combutta con il bassista Sharlee D’Angelo, anche lui forte di un pedigree metallico di tutto rispetto (King Diamond, Mercyful Fate, Spiritual Beggars, Arch Enemy). Eppure il side-project in questione è arrivato al decimo anno di attività e al terzo LP, nel corso del tempo incontrando il favore di un gigante discografico come la Nuclear Blast, solitamente poco avvezza a queste sonorità. Che sono quelle delle radio di fine Settanta e inizio Ottanta, rock melodico che non disdegna moderate escursioni progressive e stilettate chitarristiche senza per questo dimenticare le esigenze del grande pubblico in termini di melodia e ballabilità. Il risultato sono undici pezzi deliziosamente démodé, tra Toto, Alan Parsons Project, Electric Light Orchestra, Journey, Foreigner e tutto il resto che sapete o potete immaginare. Si è detto ripetutamente che la Svezia ha una marcia in più quando si parla di melodie; ebbene, “Amber Galactic” non fa mai eccezione alla regola, e sul punto valgano esemplificativamente Gemini, preclaro esempio di smash hit single nel 1984 di una dimensione parallela, e una Domino che nella predetta dimensione ha fatto ricchi Giorgio Moroder, Harold Faltermeyer e Kenny Loggins. Il riciclo musicale di quella stagione raramente ha dato frutti migliori.

10. L.A. Guns – The Missing Piece
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Mi ero ripromesso di evitare di inserire in questa lista troppi dischi di hard rock anni Ottanta, di quelli fatti da gente avvezza alla pubblicità ingannevole in forma di cerone e pantaloni attillati con i calzini arrotolati dentro il pacco. La verità è che non ci riesco, che il grigiore di un’epoca (interiore ed esteriore) di disfacimento e transizione come la presente mi sembra contrastabile unicamente con manifestazioni estetiche corrusche e animate da una joie de vivre autodistruttiva e irresponsabile ma nondimeno tale. E tanto (poco) mi basta. Resta che il nuovo disco degli L.A. Guns, il primo che vede insieme dopo decenni lo storico cantante Phil Lewis e il chitarrista fondatore Tracii Guns (pur in una risibile situazione di coesistenza di due diversi gruppi omonimi, questo e quello capitanato dal batterista storico Steve Riley assieme a un pugno di carneadi; situazione che accomuna diverse realtà della scena del Sunset Strip, tra cui i Great White, e che, oltre ad ingrassare avvocati e promoter, disvela latenti problemi egotici e/o finanziari dei musicisti), è indiscutibilmente un disco di hard rock stradaiolo come non se ne fanno da tempo, un saggio della materia vergato con un’ispirazione stupefacente (vabbè…) per dei veterani. Anzi, la stupefazione si incrementa con l’ascolto, che disvela soluzioni compositive variegate, inusitate per questa sigla, senza sacrificare l’impatto complessivo: se l’iniziale It’s All The Same To Me già da subito alza i livelli di deboscia e quanto segue nulla fa per ridurre l’aria viziosa, l’atipica ballata Christine, il lento semi-blues The Flood’s The Fault Of The Rain (probabilmente sarò l’unico al mondo a sentirci un’assonanza con Roof With A Hole dei Meat Puppets), una title-track che con giusto una patina di modernità in più potrebbe essere un successo degli Stone Sour e gli articolati cinque minuti della conclusiva Gave It All Away sembrano il parto di un’altra band. Magari una migliore, ma per adesso va più che bene così. Ritorno tanto inatteso quanto sorprendente in qualità.

Altre pillole di 2017
Duel – Witchbanger
: texani che rifanno i Black Sabbath. Suoni analogici, riff scontati, voce al bourbon, groove da vendere. Duri e ottusi come il guscio di un armadillo.

Morbid Angel – Kingdoms Disdained: death metal americano che gorgoglia e bestemmia dal centro dell’universo, come solo deve fare. Di nuovo nessuna pietà. Per fortuna.

Marilyn Manson – Heaven Upside Down: meno riff blues e più atmosfere elettroniche e suoni metal, ma la sostanza c’è. Era meglio “The Pale Emperor”, ma il Reverendo è tornato per restare.

Don Barnes – Ride The Storm: inciso nel 1989 dal cantante dei .38 Special con fior di turnisti e lasciato a prender polvere sino a quest’anno. AOR vecchia scuola come non se ne sente più, a tratti (la title-track) memorabile come le cose migliori dell’epoca.

Target – In Range: come sopra, solo che l’anno era il ’79. Notabile per la voce magnifica di Jimi Jamison, a quel punto già giunta a maturazione timbrica. Per il resto un passabile southern rock che persegue le sue ambizioni radiofoniche flirtando con l’hard rock, così riflettendo la crisi del genere nel dopo ’77.

Steve Earle & The Dukes – So You Wanna Be An Outlaw: Una garanzia. Rock che sovente varca la Frontiera e si lorda della polvere della prateria; ma anche country che una volta ogni tanto si concede una serata in città. La conclusiva epopea western di Goodbye Michelangelo è toccante come non mai.

The Jesus And Mary Chain – Damage And Joy: c’è molto mestiere, ma la vena compositiva non si è esaurita. E, al solito, l’abito pop, sintetico ma anche acustico, dona proprio. Chiamiamolo Brit pop evoluto.

Gregg Allman – Southern Blood: in apertura è posto l’unico brano autografo, My Only True Friend, toccante testamento in forma di ballata al profumo di soul, che si apprezza vieppiù alla luce del supremum exitum. Il resto sono cover, nove, che spaziano da Tim Buckley ai Grateful Dead, da Willie Dixon ai Little Feat, da Bob Dylan a Jackson Browne (qui chiamato a duettare con Allman nella conclusiva Song For Adam), e si muovono in ambito più folk del solito, forse perché per il blues non c’è più tempo. Un congedo postumo con un sorriso, una carezza e una ritirata in punta di piedi, chiudendosi delicatamente la porta alle spalle.

L’altro 2017
Perché, ormai lo sappiamo, è il 2017 solo se ci credi.

Judas Priest – Jugulator
In occasione del ventennale l’ho rispolverato, scoprendolo più valido di quanto lo ricordassi e di quanto lo si è sempre fatto passare, forse per lo smarrimento di tutti i gruppi di heavy metal classico negli anni Novanta e senz’altro per la difficoltà a concepire i Priest senza Rob Halford. In realtà “Jugulator” è figlio legittimo del suo tempo, i suoni un concentrato di compressione al fine di incrementare lo spessore e i riff interamente pensati per creare il massimo groove possibile pur restando in velocità media, secondo lo schema portato al successo dai Pantera, ma la scrittura è solida e la voce di Ripper Owens non fa mancare nulla in termini di tecnica, aggressività ed espressività. Peccato solo per le intro e le outro che affliggono quasi ogni brano, aggiungendo a ciascuno almeno un minuto di troppo; in loro assenza, staremmo parlando del miglior album dei Judas Priest da “Painkiller”.

The Keys – The Keys Album
Incredibile scoperta casuale, ma di quelle destinate a durare. Perché l’omonimo LP del quartetto inglese, pubblicato nel 1981, è forse (ma forse neanche tanto forse) il miglior album di power pop di sempre. Prodotto da Joe Jackson, uscito su A&M, “The Keys Album” vedeva i Keys cesellare melodie meravigliose su chitarre cristalline e ritmi frizzanti, aggiungendovi strepitose armonizzazioni vocali, con un amore malcelato per il primigenio rock ‘n’ roll e la British Invasion ma un orecchio parimenti attento a ciò che accadeva nell’Inghilterra coeva, alle prese con new wave e rockabilly revival. E così Hello Hello è il singolo per cui i Cheap Trick degli anni ’80 avrebbero fatto carte false e One Good Reason tiene incredibilmente insieme Stray Cats e Wham! distillando il meglio da entrambe. E così il singolo I Don’t Wanna Cry si qualifica nientemeno come uno dei due o tre migliori pezzi power pop di tutti i tempi e la conclusiva World Ain’t Turning, stilisticamente vicina ai Plimsouls, non è tanto da meno. E così If It’s Not Too Much continua la tradizione di vestire Buddy Holly e Ricky Nelson della miglior sartoria britannica e Back To Black fa mostra di eco chitarristico e verve ritmica tipicamente rockabilly. E così fino alla fine, ossia finché si è costretti a ripartire da capo. La disgrazia, però, è che il disco non è mai stato ristampato e non ne esiste una versione digitale ufficiale, cosicché tocca o rivolgersi al mercato dell’usato, dove è difficile cavarsela con cifre contenute, o sfruttare il buon cuore di taluni utenti del solito sito dei video, a cui vi rimando. Imperdibile per chiunque.

Blue Ash – No More No Less
Altro classico del power pop, stavolta conclamato, ancorché di nicchia come il genere po(p)stula. Con questo debutto del 1973 il quartetto dell’Ohio intendeva alimentare la fiamma accesa dai Raspberries e dai Badfinger riportando in auge valori compositivi dei primi Sessanta. Con risultati artisticamente egregi ma di raggio limitato, visto che la penuria di vendite portava la Mercury a scaricare il gruppo già nel ’74, lasciandolo senza contratto per tre anni, fino ad un LP per l’etichetta di Playboy (!), ovviamente invenduto (il dico), e allo scioglimento nel 1979. Ma “No More No Less” resta una strepitosa istantanea della prima stagione power pop, quella più di tutte alle prese con l’alchemica individuazione dell’equilibrio tra armonia ed energia; spesso nella stessa canzone, come certifica in apertura Abracadabra (Have You Seen Her?), singolo esemplare, mentre le due cover in scaletta, Dusty Old Fairgrounds di Bob Dylan e Anytime At All di Beatles, fissano le coordinate stilistiche di riferimento, con giusto una punta di country in più. Nel mezzo, dieci pezzi autografi che avrebbero meritato miglior fortuna. Né più, né meno, per l’appunto.

The Bellrays – Black Lighting
Abbandonate le slabbrature punk degli esordi, gli ultimi Bellrays hanno abbracciato un suono pieno e a tratti quasi hard, senza per questo dimenticare chi sono e da dove vengono. Fermo che dal vivo sono insuperabili per quasi chiunque, “Black Lightning”, uscito nel 2011, ne è la prova: dieci pezzi, trenta minuti scarsi e una scarica emotiva che oscilla tra gli estremi di cui si compone il titolo, tra i muri chitarristici di Bob Vennum e gli affreschi vocali di Lisa Kekaula, tra la potenza di fuoco punk ‘n’ roll (la title-track, roba da far verdi d’invidia i Backyard Babies; Hell On Earth, punk allo spasimo; Everybody Get Up, machismo sonoro dal ritornello spietato) e una pur esuberante melanconia soul (Sun Comes Down è puro sound Hitsville U.S.A., la conclusiva Sun Comes Down legittimamente potrebbe essere griffata Motown, mentre nel mezzo Anymore è una lettera di congedo dalla vita con pochi equivalenti sul piano emozionale), tra l’anima black e la tempesta di fulmini. Difficile starne lontani, una volta scoperto.

Damnatio memoriae
Annihilator – For The Demented

Nomen omen.

Andergraund Saund 4

DESTROY ALL GONDOLAS

destroy all gondolas - laguna di satana

Dopo una demo di quattro pezzi in cassetta nel 2013 e un 45 giri con lo stesso numero di brani (e qualcuno identico) nel 2015, ecco infine i veneziani Destroy All Gondolas tagliare il traguardo del primo LP, inciso lo scorso inverno e uscito il 22 aprile per Macina Dischi in una essenziale quanto stilosa edizione vinilica con confezione semi-gatefold. E il passo avanti qualitativo si sente, perché la produzione di Maurizio Baggio ha reso i suoni più curati e definiti, aumentandone l’ottimo impatto e anche l’efficacia dei brani già noti (vale a dire tre dei quattro presenti sul 7″). Nessuna sorpresa musicale, però, perché la proposta del trio continua a ricondursi a ciò che i musicisti stessi hanno appropriatamente definito black-surf-punk, definizione che può precisarsi solo aggiungendo che “Laguna di Satana” si trova da qualche parte tra “Surfin’ Safari” e “Surf Nicaragua”, tra i Dead Kennedys e i Ventures, ma l’umore bilioso e i miasmi pestilenziali  che lo pervadono sono senza dubbio peculiari, siccome (o forse proprio perché) provenienti da una laguna che sotto apparenze affascinanti e acque placide (mal)cela in realtà poteri demoniaci difficilmente governabili. Consigliato per quando c’è il sole, ma in realtà colpisce sempre. Ci si infetta qui.

Tesi di aprile: Napalm Death – Harmony Corruption

È con il cuore pieno di napalm, come recita l’immortale primo verso di Search And Destroy, che da giorni faccio girare questo album, con un’ossessione ripetuta che i miei ascolti non conoscevano da non so neanche più quanto tempo. Non saprei spiegare il perché di tale ossessione. Forse per le rocambolesche circostanze dell’acquisto, il disco l’obiettivo principale della spedizione e tuttavia quasi scippato da altro interessato sopraggiunto poco dopo di me, che lo aveva estratto a colpo sicuro dagli scaffali e lo aveva accantonato per comprarlo, spingendomi a maledirmi interiormente per la leggerezza nel non averci pensato subito, ma che poi, dopo una rapida occhiata scrutatrice, lo aveva rimesso al suo posto con fare deluso e un “questa stampa si trova a cinque euro su discogs” mormorato a mezza bocca prima di lasciare il negozio, lasciandomi padrone del campo e deciso a non indugiare oltre. Più probabilmente, però, per il contenuto. Musicale, innanzitutto, ché “Harmony Corruption” marcava il distacco dei Napalm Death dal grindcore dei primi due album abbracciando, complice il profondo riassestamento della formazione, il death metal di matrice floridiana che a quel tempo, nel 1990, costituiva l’avanguardia del suono estremo. Suoni più lenti e brani più articolati, dunque, a formare un putrido pantano sonoro scandito con precisione strumentale chirurgica, grazie anche alla eccellente resa sonora assicurata dall’incisione ai Morrisound Studios di Tampa e dalla produzione di Scott Burns, coordinate che – per chi non lo sapesse – stanno al death metal come Abbey Road e George Martin stanno al pop. Ma soprattutto testi (che la voce pur in growl dell’allora nuovo cantante Barney Greenway rende intelligibili sol che uno voglia soffermarvisi) furiosi come le sonorità richiedono e però non adagiati sui facili truculentismi lirici del genere ma anzi tesi, come da tradizione di casa Napalm Death, a risvegliare la coscienza su problemi individuali e sociali. E se qui manca una You Suffer di impareggiabile incisività sonora e lirica (inobliable il lapidario testo: “you suffer but why?“), nessuna testata dell’arsenale verbale del gruppo di Leeds viene risparmiata: paraocchi autoimposti, volontà autolesionistica, integralismi sottoculturali e censure sociali, false promesse, distruzione ambientale, menzogne escatologiche. E un senso di furore spietato che aleggia sull’intero lavoro, rendendolo uno dei più riusciti LP del death americano “classico” ancorché uno dei meno considerati.

La mia copia vinilica salta un paio di volte su Circle Of Hypocrisy e Mind Snare, ma questo non fa che aggiungere furore e confusione a ciò che nasce come esigenza espressiva di furore e confusione. Ecco, probabilmente per questo non riesco a smetterne l’ascolto, perché mette in musica ciò che viviamo (anche) in questo periodo storico, una poltiglia indistinta di spinte centripete e la rovina di ogni certezza, vera o falsa che fosse, accompagnate dalla distinta percezione che il viaggio sia appena agli inizi e la meta obbligata ancorché non particolarmente definita e punto o poco promettente. L’armonia, ammesso che ci fosse, è corrotta. Il sistema implode, crollano i vecchi schemi e i nuovi non si preannunciano molto più rassicuranti o equi, specialmente per chi può nutrire una ragionevole aspettativa di prolungata permanenza sul pianeta (nel suo lato rapace, ovvio). O così sembra, perlomeno. Come nel passaggio dal grindcore al death: dalla violenza cieca e spiritata all’assalto meditato ma pessimisticamente spietato. E un unico comune elemento: la furia indomabile. L’armonia è corrotta, la furia indomabile.

Mi piace l’odore del napalm al mattino. Odora di…di sconfitta.

🎼20/17 Presto – coda

Ed eccoci di nuovo a fine anno, come sempre tempo di bilanci e annesse riflessioni sui risultati. Qui entrambi a carattere precipuamente musicofilo, e quindi non mi dilungo oltre in considerazioni non pertinenti. Le liste sono di lunghezza variabile e, come sempre, non in ordine di apprezzamento di ciò che viene elencato. Tanti auguri a tutti.

Dischi notabili

1. Imperial State Electric – All Through The Night

qui

2. Smokey Fingers – Promised Land

Lodi è quanto di più lontano dal Sud nordamericano si possa concepire, ma il secondo album di questo quartetto annulla sorprendentemente la distanza geografica che separa la band dalla sua terra promessa: voce sterrata, chitarre che pungono, slide campagnola, ritmiche compatte e neanche una canzone brutta. Musica onesta, verace, intensa, saporita. Southern rock come raramente se ne ascolta, tra gli Skynyrd odierni e certo hard alla Little Caesar.

3. Metallica – Hardwired…To Self-Destruct

Dopo l’esito referendario, la seconda sorpresa dell’anno: l’età si sente, ma il disco non è solo mestiere, perché ha il pregio di porgersi sentito (in ogni senso), e infatti i pezzi sono strutturati perché i quattro riescano a suonarli dal vivo a lungo (più a lungo di così!) senza rendersi ridicoli. Probabilmente hanno messo troppa carne al fuoco, ma l’insieme resiste al vaglio di ripetuti ascolti e tanto può bastare, a questo punto. Congedarsi così dalla discografia sarebbe un trionfo.

4. Testament –  Brotherhood Of The Snake

In epoca di paranoie complottistiche cosa c’è di meglio di un concept album su una setta esoterica che attraversa millenni e civiltà? In epoca di sensazione di trovarsi sul promontorio estremo dei secoli (cit., vabbè) cosa c’è di meglio di una quarantina di minuti di thrash suonato come si deve dalla migliore formazione del genere rimasta in circolazione? Dinamica, potenza, impatto, melodia, tecnica, ispirazione. Aspettando il nuovo degli Overkill, lo scettro resta in mano a Chuck e i suoi.

5. Exumer – The Raging Tide

Mai sottovalutare la Germania, perché altrimenti poi ti tocca combatterla frontalmente, e a quel punto per vincere bisogna impegnarsi. Dopo il dubbio ritorno del 2012, ecco finalmente quello che fin da subito avrebbe dovuto andare dietro ai due storici lavori degli anni Ottanta. Nulla di nuovo ma tutto fatto con competenza, gusto e passione, e con ottimi suoni (anche il thrash old school beneficia  dell’impatto che le nuove produzioni, se ben dosate, sanno garantire). La maschera di ferro è tornata per restare.

6. Blackberry Smoke – Like An Arrow

qui

7. Monkees – Good Times

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8. Great Master – Lion & Queen

Il power è morto anzi no, perché non solo è in atto un’operazione di ristampa dei classici (ad esempio “Return to Heaven Denied”; in vinile, per giunta) ma c’è anche gente che continua a macinare imperterrita il genere come se fosse il ’99 o giù di lì. Disco fuori dal tempo e però di spessore compositivo notevole, con tutto ciò che lo stile richiede: voci altissime, melodia, doppia cassa, riff da stinco con patate al forno e ambientazione storico-fantasy. Non per tutti, ma se piace delizia.

9. Boulevards – Groove!

L’imperativo che costituisce il titolo dice tutto di questo pastiche di funk fine ’70-primi ’80, disco e house: suoni fedeli senza essere filologici, voce tra canto e recitazione, ritmi coinvolgenti e un’atmosfera edonistica che congiunge l’epoca delle spalline a quella del twerking. Tipo un Bruno Mars fatto bene. Il male, se chiedete a me, ma al groove si resiste a malapena; ambientazione perfetta un party estivo all’aperto, che sia estate o meno.

10. The Excitements – Breaking The Rule

Meno che l’esordio ma più di “Sometimes Too Much Ain’t Enough” (2013), il terzo LP trova i barcelloneti in forma scoppiettante, capaci di costruire un groove spesso e pieno di anima, che lo straripante carisma vocale della meravigliosa Koko-Jean Davis (s)veste di una sensualità mas que caliente. Soul ed errebì antiquo more, per ballare e commuoversi, per desiderare ed ottenere; in breve: per sentirsi vivi. Da avere rigorosamente in vinile.

L’altro 2016

Perché è il 2016 solo se ci credi.

Lord Finesse – Funky Technician

Uno dei migliori dischi rap di sempre (per quanto mi riguarda, nella Top 3 con “It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back e “Straight Outta Compton”) e uno dei più ignorati. La old skool newyorkese all’apice delle sue possibilità: campionamenti di James Brown, virtuosismi inauditi ai piatti (mai sentito uno scratch così!) e un flow strepitoso del MC (il verso “I kick the tune like my man Beethoven” mi strappa un sorriso ogni volta). Ma soprattutto una fluidità di ascolto che gli album rap non hanno praticamente mai. Un capolavoro, punto.

Marvin Gaye – Trouble Man

Si comincia a riscoprirlo, ma resta comunque l’album più sottovalutato della sua carriera. Gran peccato, perché questa colonna sonora (del film omonimo) riassume al meglio il lato musicale del fenomeno blaxploitation, muovendosi “tra un funk in punta di dita e un jazz da nightclub” con atmosfere variegate ma sempre seduttrici, complice un sassofono ora guizzante ora ammaliante. Marvin canta poco (ma quando lo fa è subito spettacolo: la title-track è su ogni antologia del nostro che si rispetti) ma compone, arrangia, suona piano, chitarra e batteria e anche produce in maniera sopraffina. L’esperimento soundtrack non verrà mai ripetuto, ma l’album resta un fotogramma del fermento culturale nero degli anni Settanta che mantiene inalterato il suo fascino anche a distanza di oltre quarant’anni.

Mark Free – Long Way From Love

Ci sono (stati?) governi di “centro—-sinistra” e dischi di “AO—R”. Questo, ad esempio: la batteria è praticamente sempre una drum machine, le tastiere dominano e la chitarra si sente appena; dov’è il rock? Eppure gli arrangiamenti funzionano, la scrittura è di livello raramente eguagliato in quest’ambito e la voce altissima di Mark (ora Marcie) Free colora magicamente il tutto. Per amatori, probabilmente, ma qualificarlo guilty pleasure sarebbe riduttivo e ingiustificato: in fondo, per imparare ad apprezzarlo basta avere gli amici giusti.

The Shadows Of Knight – Gee-El-O-Are-I-Ay

Antologia di una delle più selvatiche band  del garage anni Sessanta, questo LP, uscito per l’inglese Edsel nel 1985, assomma gli episodi migliori dei primi due lavori della formazione di Chicago (entrambi classici del garage), aggiungendovi qualche brano altrimenti rimasto di difficile reperibilità (su 45 giri) e risultando nel complesso preferibile ai singoli  album per la sua capacità di racchiudere l’immediatezza del genere in uno spazio limitato. Mega biblìon, mega kakòn from the first psychedelic era.

Damnatio memoriae

Rolling Stones – Blue And Lonesome

Comprato appena uscito sulle ali dell’entusiasmo generato da talune recensioni, ascoltato subito e ripetutamente, piaciuto dapprima, accantonato poco dopo. Magari sarà anche vero che è nato spontaneamente, per caso, cazzeggiando in studio, ma la spontaneità non basta a far sì che la sensazione di raggiro ben orchestrato si dissipi; anzi, si accresce con gli ascolti (ed anzi decolla scoprendo che l’edizione limitata dell’album è un cofanetto doppio con “Blue And Lonesome” assieme a quell’altra sesquipedale presa per i fondelli nomata “Havana Moon”). Anche godibile ma decisamente superfluo; come ha notato taluno, se un disco del genere fosse uscito senza la celebre griffe linguacciuta non se ne sarebbe accorto nessuno. Non commettete anche voi il mio errore: piuttosto tirate su “Play Chess” dei Morlocks, che vi costerà un terzo e vi farà godere il doppio.